• guernica Analyse plastique :

     

    Nom de l'artiste: Pablo Picasso

     

    Titre de l'oeuvre: Guernica

     

    Date: Entre le premier mai et le 4 juin 1937.

     

    Technique: Huile sur toile.

     

    Dimensions: 349,3cm sur 779,6cm.

     

    Lieu de conservation (si possible): Musée national centre d'art Reina Sofia.

     

    Comment l’artiste à t-il mis en œuvre :

     

    Les couleurs (contrastes…): Les seuls couleurs présente sont des variantes entre le noir et le blanc. 

     

    Les matières (textures, épaisseurs, transparences…)

     

    Les formes (géométriques, réalistes, courbes…): Il y a beaucoup de forme géométrie agressive tel des triangles, des carrés, et des formes moins agressives comme les arrondies sur les visages.

     

    L’espace (point de vue, cadrage, profondeur…Lieu, site...): Il est difficile de distinguer l'endroit ou se trouvent les personnages, ça semble être a l'intérieure d'une maison.

     

    La lumière. (source, intensité, contraste, diffusion…): La lumière sort de la lampe situé en haut du tableau, la lumière éclaire tout le tableau dans les 4 coins. On peut aussi remarquer que les personnages juste en dessous de la lampe sont plus blanc que se aux extrémité du tableau. 

     

     Détails (significatifs ou intrigants)

    Que peut on dire du corps ? (corps représenté, corps de l’artiste, corps du spectateur…mouvement, échelle geste ...): Il y a de nombreux personnages qui semblent désarticulé, les personnages ont tous les bras ouvert comme s'ils suppliaient quelqu'un de les aider.

     

    Comment a-t-il organisé ou composé son œuvre (les formes les couleurs, les matières la lumière…, dans l’espace): Pablo Picasso a organiser son oeuvre de sorte a ce que les personnages soient éclairés par la lumière qui sort de la lampe au centre du tableau, cette lampe a une forme d'ouillé comme s'il surveillait le personnages dans la pièce. Les couleurs sont sombres, il n'y a aucune couleur a part le noir et le blanc.

    Dans quel but, quels sensations, quels sens peut-on dégager de ces observations ? En regardant cette oeuvre on peut se demander qu'on fait les personnage pour en arriver là. 

     

    (Qu’est ce que je vois, qu’est-ce que je reconnais, qu’est ce que je comprends, qu’est ce que l’artiste me donne à penser ?) On peut distinguer 6 personnages et 2 animaux ( un cheval et un taureau). On voit aussi que la lampe a une forme d'oeil et que les seuls endroits blanc dans ce tableau se sont les personnages.

     

     

     

    Qu’est ce qui fait la spécificité de l’œuvre étudiée (pour cela je peux comparer avec d’autres œuvres, de la même époque ou d'une autre époque, du même artiste ou pas, ou sur le même sujet…): La spécificité de l'oeuvre est que cette oeuvre est entièrement en noir et blanc alors que les autres oeuvre de la même époque et du même peintre sont en couleurs.

     

     

     

    Eventuellement mon point de vue sur l’œuvre (en prenant garde de ne pas confondre avec les observations objectives sur lesquelles tout le monde pourrait tomber d'accord)

     

    Notamment, que pouvez vous dire à propos du pouvoir dans cette oeuvre? Cette oeuvre a un gros pouvoir car elle fait référence à la guerre et qu'elle a été conçu pour la guerre.

     

    Pouvoir de quoi? de qui? pourquoi?...

     

    Presentation

    Guernica est une huile sur toile mesurant 349,3cm sur 779,6cm. peinte entre le premier mai et le 4 juin 1937 par Pablo Picasso. Cette oeuvre a été peinte suite a la commande du gouvernement républicains de Francisco Largo Caballero. L'oeuvre a été peinte après que la ville Guernica se soit fait bombardé durant la guerre d'Espagne.

    Analyse et description de l'oeuvre

    La peinture est composé de plusieurs personnages et de 2 animaux, les personnage semblent avoir peur, ils sont désarticulé et démembré.                  On peut constater que les personnages sont éclairé par une lampe au centre du tableau, cette lampe ressemble a un œil comme si la lampe surveillait les personnages.

    Il y a une manque de couleurs, les seuls couleur sont des variantes entre le noir et le blanc tout le tableau est sombre sauf les personnages qui eux sot entièrement blanc.

    Les personnages nous font interpréter plusieurs message :                                 - Le personnage le plus à droite lève les bars au ciel comme s'il suppliait quelqu'un ou quelque chose, on peut comparer se personnage au personnage dans le tableau "Tres des Mayo".                                                                       - Le personnage féminin dans le coin en bas a droite traine quelque chose qui ressemble à une jambe.                                                                                   - Le personnage tout a gauche tien un enfant mort (serment le sien).                 - Le personnage en bas a gauche est totalement désarticulé, il est plié sur lui même.                                                                                                            - Le dernier personnage au milieu a droite tient ce qui ressemble a une bougie.

    Conclusion

    Ce tableau a joué un rôle majeur durant la guerre d'Espagne car il montre les dégât qu'on fait les bombardement dans la ville de Guernica et tout les innocents qui ont été tué.


  • nature morte à la chaise cannée

     

    Contexte historique

    Dans les années 1910, d’autres avant-gardes verront le jour aussi bien en arts plastiques qu’en musique ou en littérature : fauvisme, futurisme, abstraction, suprématisme, orphisme, dodécaphonisme, etc. C’est aussi la naissance des premiers studios de cinéma à Hollywood. La France est à cette époque dans le jeu des alliances européennes dans une certaine instabilité politique. Poincaré forme un nouveau gouvernement et sera bientôt président. L’Europe est divisée et sujette à de multiples tensions entre nations. En 1914, éclatera la première guerre mondiale, qui sera un choc pour tous les artistes engagés dans les avant-gardes, comme Picasso, Braque et bien d’autres. Après la guerre, en 1918, de nombreux artistes abandonneront leurs recherches révolutionnaires pour un retour à l’ordre et au réalisme.

    Description

    Il s’agit d’une « nature morte ». La nature morte est un genre de peinture représentant des objets inanimés. L’objet traverse la tradition picturale occidentale dès l’antiquité. Mais c’est au XVIe siècle que la représentation de l’objet inanimé devient autonome et constitue un genre à part entière, celui de la nature morte, qui se canonisera alors en tant que peinture d’objets qui posent, comme suspendus dans le temps et agencés par la main de l’artiste. Dans la Nature Morte à la Chaise Cannée (1912), Picasso représente plusieurs objets qui peuvent être reconnaissables par des indices visuels : un journal (les lettres JOU), un verre, une rondelle de citron, une coquille saint Jacques et une pipe. Ces objets sont peints dans un camaïeu d’ocres et de gris où l’artiste ne cherche pas à être le plus précis possible. C’est une recherche de formes, de représentation du réel. La peinture ne s’arrête pas là puisqu’il applique un bout de toile cirée à motif de cannage, qu’il colle, destiné à évoquer de manière insolite la présence d’une chaise. Une corde réelle compose un cadre. Ce tableau est marqué par l’irruption, dans l’espace de la représentation, d’un élément du réel : la toile cirée où est imprimé le cannage n’est pas représentée mais simplement présentée par le collage, ainsi que la corde qui entoure le tableau. C’est aussi la première fois qu’un artiste intègre dans son œuvre un objet manufacturé, et donc non produit par lui-même. C'est le début des papiers collés qui apportent dans les austères toiles cubistes leurs couleurs, leurs motifs, leur part de réalisme. C'est aussi la fin de la limitation du tableau aux seules couleurs posées par le pinceau. Désormais un tableau peut accueillir tous les fragments de la vie réelle. Possibilité que Picasso sera parmi les premiers à explorer. 


  • on les aura

     

    Cette affiche a été réalisée en 1915 par Abel Faivre pour le 2ème emprunt de la Défense Nationale. Le gouvernement demandait ainsi à la population de soutenir financièrement la guerre.

     

    En France, la plupart des illustrateurs des affiches venaient de la presse. A. Faivre était, lui aussi, dessinateur  et caricaturiste notamment au Figaro. La figure est donc très dessinée au crayon et ensuite coloriée.

     

    Une affiche est composée d’un slogan (un message) et d’un visuel (image qui renforce et illustre le slogan). L’art de l’affiche est né avec la publicité. Il est maintenant au service de la propagande pour véhiculer un message, « vendre une idée », celle de la guerre.

    Le slogan.

     

    SOUSCRIVEZ AUX BONS DE LA DÉFENSE NATIONALE : C’est un titre, écrit en lettres capitales. Il indique l’objet de cette affiche: demander à la population de donner de l’argent pour soutenir l’effort de guerre .

     

    On les aura ! souscrivez : écriture manuscrite qui crée une proximité avec le lecteur.et qui donne l’illusion que ce sont les paroles du personnage.

     

    On les aura: phrase exclamative, chargé d’émotion (la détermination, l’espérance). Le futur du verbe  projette le personnage dans l’avenir  et prend une valeur prophétique en annonçant la victoire prochaine et certaine. Le pronom indéfini « on »désigne les soldats et par extension tout le peuple français .

     

    Le verbe »souscrivez » à l’impératif, est une injonction du soldat à ses proches qui doivent eux aussi faire un effort et  financer la guerre.

     

    Les écritures sont disposées selon une diagonale inverse à celle du personnage  formant une croix  qui évoque  la défense du territoire.

     

    Le Visuel

     

    Le personnage  est un jeune soldat français. Il est reconnaissable grâce à son équipement : un casque Adrian en acier ( 800 g), la capote ( manteau en laine) bleue, la chemise blanche, la besace en toile et le fusil Lebel.  Sur son col,  un numéro indique son régiment.

     

    Par son attitude déterminée,  il montre qu’il va de l’avant. Il lève le bras et se tourne en arrière pour appeler les autres . Il montre la voie à suivre, c’est un leader. Son dynamisme est mis en valeur par la diagonale  qu’il forme sur l’image, par la contre plongée, par la lumière  qui illumine son visage  et particulièrement ses yeux clairs. Il incarne l’espoir et la victoire.

     

    Il est  le héros courageux, intrépide, beau et sympathique auquel le public a envie de s’identifier.


  • la guerre

     

    LA GUERRE D'OTTO DIX

     

     Présentation 

    - Qui est l’auteur de l’œuvre ?  

     

    Otto Dix est né en 1891 à Géra (Allemagne) et mort en 1969. C'est un peintre allemand de la Nouvelle Objectivité et de l'Expressionnisme  

     

          - Quand l’œuvre a-t-elle été réalisée ? L’œuvre a été réalisée entre 1929 et 1932 

     

     

    Raconter le contexte historique de l’œuvre.  

      

          La Guerre a été peinte. Il présente une image plus réaliste et encore plus sombre de la guerre que ce qu’il avait pu peindre auparavant. Ce tableau est donc peint durant la République de Weimar qui a tendance à glorifier l’héroïsme de la guerre. Alors que la population commence à oublier les horreur qu’elle a vécu, Otto Dix en dépeint une image crue non pas pour choquer mais plus pour témoigner et rappeler la réalité de la guerre. 

     

     Ce tableau est réalisé dix ans après la première guerre mondiale. L’expérience de la guerre a bouleversé l’artiste.

     

     

      Description 

     

      

     

    C’est un triptyque, c’est-à-dire une œuvre peinte sur trois panneaux en bois que l’on peut replier. Ce format était principalement utilisé au XIème et XIIème siècle pour les peintures religieuses. C’est une peinture sur bois de 204 X 204 cm. Elle est actuellement visible à la galerie Gemäldegalderie Neue Meister de Dresde. 

     

        

     

    Analyse des panneaux 

     

       

     

    On peut observer une évolution dans le temps au cours des panneaux. Ils racontent une histoire. A gauche dans la brume du matin, on voit les soldats partir au font. On ne voit pas leur visage, ils sont anonymes. Au centre on voit la terrible bataille et ses morts avec des images d’horreur de la bataille. A droite, on peut voir le soir ou la nuit avec des flammes en arrière. Il semble que le peintre veuille faire passer par là l’idée du chaos et de la désolation du champ de bataille Il est en fait un autoportrait d’Otto Dix qui transporte un blessé. IL est habillé en civile et nous regarde pour nous montrer que la guerre l’a transformée. 

     

     Les couleurs sont soit terne comme la mort et le chaos ou vive comme le sang et les flammes. 

     

     Le panneau inférieur (ou prédelle) représente un cercueil collectif contenant au moins 3 personnes. Otto Dix utilise une technique et un format qui sert traditionnellement à représenter des scènes de la religion chrétienne. Otto Dix veux présenter les victimes de la guerre comme des martyrs.  

     

     Analyse de l’œuvre 

     

     Ce tableau est réalisé dix ans après la première guerre mondiale. 

     

     L’expérience de la guerre a bouleversé l’artiste. Engagé volontaire au début du conflit, nationaliste, il découvre rapidement l’horreur de la guerre et la souffrance. Ainsi c’est avec un réalisme extrême qu’il représente des cadavres pourrissants, un squelette et un paysage dévasté.  

     

     Le but de cette oeuvre est de rappeler l’horreur de la guerre. Ce triptyque est présenté une seule fois dans une exposition à Berlin en 1938. Il est ensuite interdit par les autorités nazies. 

     

     Il est l’un des pères fondateurs  du mouvement de la Nouvelle Objectivité». Il se caractérise par une volonté de représenter le réel sans fard. Les artistes de la Nouvelle Objectivité seront nombreux à être pointés du doigt comme « artistes dégénérés » par le régime Nazi. C'est pourquoi d'ailleurs le mouvement s'éteint en 1933, avec l'arrivée d'Hitler au pouvoir. De nombreux artistes partent en exil. 

     

     Conclusion 

     

     Cette œuvre est forte mais aussi très riche, et dénonce les atrocités de la guerre. Otto dix dresse un portrait à la fois très cru et réaliste, mais aussi rempli de symboliques


  • Tres de mayo

    1.Présentation générale de l'œuvre

    -Très de mayo 1808

    -Francisco de Goya(Espagnol, 30 mars 1746- 16 avril 1828)

    -1814

    -Napoléon fait de son frère Joseph le roi d'Espagne en 1808.

    -Sa parle de l'éxécution à Madrid de 43 patriotes Espagnols , tués par les soldats Français en pleine nuit.

    -Romantisme.

    2.Description de l'œuvre

    Affiche/Tableau: Ce tableau est une rupture avec le néoclassicisme , les couleurs sont des couleurs foncée avec une couleur dominant qui est le noir , une lumière drammatique sur scène , certain des formes sont aperçu en arrière plan , la technique utilisé est l'huile sur toile .

    3. Analyse de l'œuvre

    -Le message que l'auteur a voulu montré est le sacrifice des révoltes.

    -Le sentiment que l'auteur a voulu susciter est de l'émotion et la réaction qu'il a voulu susciter chez le spectateur / lecteur et l'auditeur est un choque face à l'attitude des soldats.

    -Pour que son œuvre nous parle l'artiste nous sa bien monter l'innocence des personnages et la résistance des soldats .

    -Chaque élèment de l'œuvre symbolise la révolte , la terreur , la crucifixion.

    -L'impact que cette œuvre a eu à son époque est que ce tableau est la suite directe des évènements , ensuite la toile à été commissionnées par le gouvernement , pour nous cette œuvre nous montre qu'il faut se battre pour ne pas mourir.

     

    Conclusion

    Aucune œuvre est parallèle avec cette œuvre , mais il a eu certaine inspirant à partir d'œuvre d'art.

    Pour mon avis ce tableau dégage une émosition très touchante.





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